Coͦrͬrͬiͥeͤntͭeͤs eͤn eͤl rͬiͥoͦ dͩeͤl aͣrͬtͭeͤ

La Antigua Cultura Persa concedió una importancia preponderante al aspecto decorativo de su arte el cual utilizaron como recurso y medio de expresión con un profundo significado filosófico de vida. Este aspecto decorativo muestra el cotidiano acontecer de la vida del hombre en su perenne lucha por la supervivencia. El profuso simbolismo decorativo proporciono el vehículo apropiado para expresar sus anhelos y aspiraciones así como su forma particular de ver la vida con seguridad, auto confianza y gran poder interior. Es una decoración refinada, atractiva y profundamente expresiva dirigida directamente al corazón del espectador mediante las emociones que comunica. Diseñaron estos objetos de arte utilizando patrones figurativos donde se reconocen fácilmente en las imágenes las formas de los objetos originales así como de la figura humana. El lento proceso de encontrar y establecer una formula de decoración idónea para expresar las emociones y los conceptos que tenían sobre la vida c...

Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico. El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban fundamentalmente animales y escenas de caza. El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux. En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona cantábrica y la levantina. En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales con un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las pinturas son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras humanas. En esta última zona las pinturas son monocromas. Bisonte Recostado - Cueva de Altamira (Ca...

El término apareció por primera vez en 1920. Gabo habla en su Manifiesto Realista de «el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica», por lo tanto quiere hacer «formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real». El arte cinético es pues una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos «exteriores» como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo. Destacamos tres tipos Los estables: Son obras fijas, y es el espectador quien tiene que rodearlas para percibir el movimiento. Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta. Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de ...

Es un movimiento artístico genuinamente italiano que quiere mostrar pictóricamente una atmósfera onírica ubicada en plazas italianas desiertas, mezcladas con casuales yuxtaposiciones de objetos, enlazando todo con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre metafísica. Evidentemente esto fue un influencia detereminante para el movimiento surrealista que surgiría años después. Lo metafísicos pretendieron explorar la vida interior del subconsciente mezclada con objetos cotidianos representados fuera de los contextos habituales. Esto da lugar a una especie de sueño pintado, un sueño bastante lúcido teniendo en cuenta el naturalismo de los objetos y arquitecturas, y el ser representados en espacios concretos. Se muestra una realidad ilógica pero verosímil. Una lógica alternativa, por así decirlo. En medio de una guerra mundial, los artistas muestran espacios misteriosamente quietos y tranquilos, silenciosos. Como apacibles sueños en color. Canto de amor, 1914,...

El arte japonés evidencia la proximidad entre la creación artística y una profunda intuición filosófica de la realidad. El zen, rama del budismo iniciada por Bodhidharma (o Daruma en el Japón), impregnó la cultura japonesa y sus diversas expresiones artísticas como la pintura, arquitectura, poesía, el arte de los jardines o la célebre ceremonia del té. Se trata del perfil místico del budismo, donde lo vacío es la fuente primaria del sentido, de la plenitud, la belleza y la expansión vital. En el Japón, el arte exige un esfuerzo de atención, de conocimiento y de simpatía mayor que en China, país al que deben gran parte de su cultura. Como todas las artes que provienen de las culturas asiáticas, las bases de su estética se centran en el elemento sagrado. Se cree en la existencia de múltiples fuerzas invisibles, dioses locales, genios protectores, espíritus de las cosechas, del hogar, de los antepasados y de los parientes fallecidos, fuerzas de la fertilidad, de la generación de la vida, ...

El antropofagismo representa para los artistas sudamericanos la forma de fundir el arte y las ideas modernas con los temas indígenas, por ello se convierte en un movimiento esencial para la constitución del arte modernista brasileño, protagonizado en su mayoría por pintores e intelectuales. El manifiesto antropófago del poeta y ensayista O. de Andrade de 1928 invita a los artistas, hasta ahora influidos por los movimientos europeos, a superar esta hegemonía. En esta línea es clave el trabajo de Tarsila do Amaral (1886-1973), pintora y escultora brasileña que se encuentra en 1920 en París estudiando en la Académie Julian y en 1923 trabajando con Gleizes y Léger, asumiendo las lecciones del constructivismo ruso y el cubismo, y desarrollando posteriormente un arte nacional enraizado en sus orígenes. La introducción de la modernidad en el resto de América Latina sigue ese mismo camino en diversos grados. Además la antropofagia nos enseña que toda obra de arte nace por devoración de los mod...